Homenaje al rey del Pop

Si hace un par de días dedicaba un post a uno de los últimos vídeos de Jonas Åkerlund para Lady Gaga, una buena forma de recordar a Michael Jackson es precisamente con uno de sus vídeos, el del tema Thriller, el álbum más vendido de la historia del pop.



Thriller revolucionó el concepto de vídeoclip, convirtiendo lo que entonces se entendía como un mero elemento de promoción musical en un ente artístico con personalidad propia. Con casi un cuarto de hora de duración juega con distintos elementos narrativos para confundir y sorprender al espectador sobre la realidad y la "no realidad" de unos personajes, por otro lado envueltos con los últimos efectos especiales de la época. El director, John Landis, también hizo otro famoso vídeo para Michael, Black or White, famoso por el uso del morphing, efecto para transformar un rostro en otro. Éste vídeo estuvo cargado de polémica, y no sólo por la relación que muchos encontraron entre el título de la canción y su transformación física, sino por los actos vandálicos que cometía en el vídeo y sus tocamientos, por lo que fue censurado en muchos países. Fuera por lo que fuera, el estreno de los vídeos de Michael se convertía siempre en todo un acontecimiento.

John Landis, no tuvo una carrera mucho más fructífera en el mundo del vídeoclip aunque pasará a la historia com odirector de muchas comedias de los 80 y 90, como "El Príncipe de Zamunda" y "Entre pillos anda el juego". Arriba os he dejado el vídeo de Thriller, pero os dejo también la versión Bollywood, que también tiene lo suyo, jejeje.

Un artista atribuye a Goya una obra firmada bajo el nombre de Sorolla

El restaurador Paulino Giménez ha sido quien ha sacado a la luz esta noticia. En sus propias palabras afirma: "Aunque en su primera etapa Sorolla pintó escenas históricas, ni la pincelada ni el colorido se ajustan a su obra".


De todas formas es pronto para lanzar un juicio final y se seguirá investigando al respecto. El restaurador ya envió una serie de muestras a un laboratorio especializado de Madrid para que determinara la época en que fue pintado a la materia con que sepintó. Éste último es un dato clave, ya que las pinturas que solían usar ambos maestros, Goya y Sorolla, no tienen los mismos componentes.

De momento todo son especulaciones aunque esta hipótesis parece estar bien reforzada por esl estilo y la pictografía de la obra. Los propietarios de la obra son la familia Pizkov, de origen ruso pero residente en Marbella. Dejo un enlace al vídeo que ha publicado rtve al respecto.

Paparazzi: La obra maestra de Jonas Åkerlund

Su nombre comenzó a sonar cuando a principio de los noventa dirigió los videos de los también suecos Roxette. Pudo tocar la gloria cuando a finales del siglos pasado nos asombró a todos con "Smack my bith up" de The Prodigy, "My Favourite Game" de The Cardigans y "Ray of light de Madonna", para la que luego también realizó "Music" o "American Life". Pero con su último trabajo ha logrado asentarse definitivamente junto a los dioses del Olimpo. Lady Gaga puede estar bien agradecida, porque si algún día los libros de historia del arte hablan de Videoclips, el de Paparazzi aparecerá en negrita.



Hay que admitir que Jonas Åkerlund también ha sabido explotar al máximo la imagen de la controvertida princesa del pop. Incluso la hace hablar en sueco al comienzo. Yo ya pensaba que no había nada capaz de impactarme hasta que ví a Lady Gaga repleta de pedrería en silla de ruedas, con collarín incluido, e intentando caminar con unas multas medio vestida, o mejor dicho, medio desnuda de robot. También hay que felicitar al coreógrafo en este caso, capaz de transformar en baile los torpes movimientos de la Lady Gaga con muletas.

A simple vista podría parecer un mero derroche de excesos: Escenarios barrocos, vestuario bizarro, violencia gratuita con una amplia colección de cadáveres de bellas modelos asesinadas justo después de maquillarse, y Lady Gaga ya no sólo en silla de ruedas, sino también en una escena de sexo, ejecutando un asesinato y finalmente siendo arrestada con un pelucón que más bien parece un capuchón de nazareno. Sin embargo, detrás de todo esto, hay una cuidada trama narrativa y una impecable fotografía.



Sin duda es este un buen momento para reivindicar la figura de los directores de videoclips, poco conocidos por el gran público, y en concreto de Jonas Åkerlund que además de los trabajos ya citados, ha grabado vídeos para Maroon 5, Metallica, Rammstein, The Smashing Pumpkins o Blink-182. Aprovecho para dejar un vídeo de mi admirado Jamiroquai, "Canned Heat", también dirigido por él.

Los cuentos de hadas de Dina Goldstein

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Uno de los trabajos que más me han llamado la atención en internet en los últimos días, ha sido el de la fotografa afincada en Vancouver, Dina Goldstein con su serie "Fallen Princess". Según explica en su página web, su intención es trasladar las protagonistas de los cuentos de hadas a escenarios de la vida real, cambiando el "fueron felices y comieron perdices" por situaciones y problemas propios de la sociedad actual.


Así podemos ver a Blancanieves convertida en una ama de casa de frustrada, a Jazmín como una guerrillera en oriente próximo o a La Bella en un quirófano de cirujía estética. Tras la lente de Dina Goldstein, la realidad de la princesas de Disney en el siglo XXI no parece ser muy alentadora, igual que la del resto de la especia humana.

La Tentación de San Antonio de Miguel Ángel

En 1553 Ascanio Condivi, discípulo de Miguel Ángel, escribió la vida del maestro italiano cuando éste contaba ya con 78 años. Los historiadores han visto siempre en este relato una biografía autorizada o incluso escrita bajo las indicaciones de Miguel Ángel por lo que hoy en día es una de las claves más fiables para interpretar su obra.

En uno de sus capítulos se relata como Miguel Ángel siendo todavía aprendiz en el Taller de Domenico Ghirlandaio encontró un grabado de Martin Schongauer (1448-1491) de las tentaciones de San Antonio. Interesado por las formas y la composición de la obra del maestro alemán, comenzó a pintar una copia sobre una tabla de madera.

Otros contemporáneos suyos, como su amigo Giorgio Vasari o Benedetto Varchi, también relataron la misma historia. Sin embargo no parece que ésto sea razón suficiente para considerar "El tormento de San Antonio“, comprada recientemente por el Kimbell Art Museum (Texas), como obra suya.

"La Tentación de San Antonio" (Izq. Matin Schongauer, der. Atribuido a Miguel Ángel)

De momento la obra está siendo estudiada por especialistas del Metropolitan Museum de Nueva York, donde se expondrá del 16 de julio al 7 de septiembre, antes de ser llevada a la que será su residencia definitiva en Texas. Pero a la espera de una conclusión oficial que determine si es realmente esta tabla a la que se refieren los biografos de Miguel Ángel, algunos periódicos ya han puesto ya no sólo ponen en tela de juicio su autoría, sino que lo dan por sentado.

Interesante es en España el títular que al respecto publica ElPaís.com, "Si es un miguel angel es un chollo“, un artículo sin firmar escrito deprisa y corriendo con material de agencia, pero que por el títular cualquiera pensaría que se trata de un artículo de opinión o de un columnista de esos que creen hablan de cosas trascendentes. En definitiva un claro ejemplo de como se banaliza en los medios sobre temas de investigación histórica y artística.

Por último destacar que por el momento sólo se conocen otros tres cuadros del maestro renacentista; "La Madonna de Manchester" y "Santo Entierro" en la National Gallery de Londres, y "Tondo Doni", en la Galería Uffizi de Florencia.

Los mapas de El Greco y Peeter Snayers

El cuadro de El Greco „Vista y Plano de Toledo“ estará un tiempo expuesto en el Museo del Prado, después de la restauración que llevaron a cabo el equipo de restauradores del museo. La obra pertenece al Museo del Greco en Toledo, pero aprovechando el cierre temporal por obras, han decidido sacarlo un poco a pasear, ver la capital y ponerlo guapo antes de que lo vean los turistas.

Según las declaraciones de su restaurador Rafael Alonso recogidas en distintos medios de comunicación, „es el primer plano de una ciudad española al natural y sin ninguna invención. Muestra todo el perfil de Toledo desde el camino a Madrid y probablemente fue pintado desde el Hospital de Tavera, que aparece sobre una nube“. Sin embargo no es la única vez que El Greco pinta el perfil de Toledo, ya que aparece en otras obras como en „Laoconte“ (The National Gallery of Art. Washington) o en „Vista de Toledo“ (The Metropolitan Museum of Art. New York). Tambén en una de sus obras perteneciente al Museo del Prado, „Piernas de San Sebastian“ pueden distinguirse algunos edificios de la capital imperial.

Asedio de Aire-sur-la-Lys (Peeter Snayers, 1653)

Sin quitar méritos a El Greco, la más interesante serie de obras de este tipo que conserva el Prado, es la realizada por Peeter Snayers. Este artista flamenco del S. XVII especializado pintar batallas, mezcla la pintura con las representaciones cartográficas, y de tal modo que es capaz de mezclar con gran naturalidad el paisaje con el mapa. En un primer plano sitúa los personajes y algunos otros elementos como vagetación o animales, y usando un horizonte muy alto, utiliza el resto del lienzo para dibujar el mapa y la propia batalla.

La influencia de Ayne Bru en Salvador Dalí

"Dalí desnudo"

Mucho se ha dicho de Salvador Dalí y la influencia que ejerció en su obra el arte de los siglos XV y XVI. Se habla principalmente de El Bosco, para muchos este artista holandés, del que apenas se conoce hoy su vida, es el principal antecesor del surrealismo. Sus composiciones llenas de extranos personajes con no menos extranas actitudes hacen que obras como "El Jardín de las Delicias“ no dejen indiferente a nadie. Parece evidente que Dalí se inspiró en este tríptico del Museo del Prado a la hora de crear su mundo onírico y su pintura Paranoico crítica, como él mismo la definió.

Sin embargo, este post está dedicado a otro artísta contemporáneo de El Bosco que también sirvió de inspiración para el genio surrealista: Ayne Bru. La vida de este autor si que es un misterio aunque se sabe que estuvo activo en Cataluña entre 1502 y 1507. Se cree que es de origen alemán, probablemente de la ciudad de Brünn, de donde toma su apellido.

La obra que nos ha llegado de este artista es escasa, pero de gran calidad. Las tablas más conocidas se exponen hoy día en el MNAC de Barcelona: "Sán Cándido“ y "La degollación de San Cucufate“. De éste último, pintado para el antiguo retablo mayor del Monasterio de Sant Cugat, es del que se encaprichó Salvador Dalí, que copió al perro que aparece en la parte inferior derecha en varias de sus obras.

"La degollación de San Cucufate"

El animal, que en la tabla de Ayne Bru duerme apaciblemente mientras degollan al santo, aparece dormido bajo el agua en dos obras de Salvador Dalí: "Dalí desnudo“ y "Dalí a los seis años“. Dado el carácter autobiográfico de las obras, ya que ambas tienen como tema principal la persona de Salvador Dalí, puede ser que el perro bajo el agua simbolice algún rasgo de su personalidad.

"Dalí a los seis años“

Hugo Van der Goes, de Monforte a Berlín

El llamado "Altar de Monforte" causó un litigio diplomático entre España y Alemania a principios del siglo XX, justo antes de que explotara la I Guerra Mundial. La obra, también llamada "La adoración de los Reyes", fue pintada por Hugo Van der Goes hacia 1470. Hacía varios siglos que permanecía practicamente olvidada en el Monasterio de Monforte de Lemos, que aunque atesoraba numerosas obras artísticas, estaba en estado ruinoso y necesitaba reformas urgentes. El edificio pertencía a la Orden de los Esolapios y dependía del Duque de Alba, también Duque de Lemos, el cual, tras negarse a pagar las reformas autorizó la venta de la obra.

Los escolapios intentaron en un primer momento vender la obra al Museo del Prado. El Estado Español se negó a su compra y fue entonces cuando el "Kaiser Friedrich Museum" de Berlín se interesó por el cuadro ofreciendo el doble del valor que la orden habían estipulado en un principio. Cuando saltó a los medios la noticia de la venta de la obra, causó un importante revuelo popular, hasta el punto de convertirse en asunto de estado. La obra llegó a estar embargada y el propio Duque de Alba tuvo que declarar en el Congreso. Después del cambio de gobierno en 1913 y la llegada de Romanones a la Presidencia, el cuadro embarcó finalmente a la pinacoteca alemana.


Este altercado puso en evidencia el interés del Estado español por las obras de arte y forzó la creación de leyes que avitaran la venta al extranjero de importantes obras de arte. Gracias a que periódicos como La Vanguardia tienen hoy en día toda su hemeroteca online y de forma gratuita, podemos leer lo que en su día se publicó al respecto, como este artículo publicado el 30 de julio de 1910.

BURKA POP

Según publicó la prensa ayer, una exposición de la artista Sarah Maple en una galería londinense está levantando cierta polémica en Inglaterra. Sus obras, con frecuentes alusiones a la religión y al sexo han creado revuelo en ciertos grupos de la comunidad islámica. Su propia condición como musulmana y británica, la lleván a reflejar en sus obras esa dualidad o paradoja, según se mire. La artísta de 23 años pertenece a la nueva generación de jóvenes nacidos y crecidos en plena era de la globalización. Ella misma ha adaptado desde niña sus creencias islámicas a la cultura occidental. Según dice no pretendía ofender a nadie. Sus obras son sólo un retrato de su misma identidad social.


La obra Blue, Badges, Burka (2008) es un claro ejemplo de este mestizaje cultural. El retrato de una mujer cubierta por un Burka hace alusiones directas a la obra de Peter Blake, Self protrait with Badges (1961), icono del Pop Art británico.

La exposición que incluye videocreaciones, fotografías y pinturas, puede verse hasta el 17 de noviembre de este año 2008 en Salon Gallery de Londres.

Fuente: El País

ESTAMPA Vs ARCO

Se inaugura la XVI edición de Estampa. Ya instalada en IFEMA y ofreciendo multitud de disciplinas artísticas, parece que ha dejado lejos su etapa en la Casa de Campo. Entonces se limitiba mucho más al grabado, inversión barata y segura. Ahora ofrece además fotografía, escultura o video-arte. Las comparaciones con ARCO son cada vez más inevitables, aunque todavía le queda mucho para alcanzarla. Aunque respaldada por la Comunidad de Madrid, Esperanza Aguirre acudió a la inauguración, no cuenta ni con la proyección internacional, ni la publicidad, ni los inversores con los que cuenta ARCO.

Envase 3, 2008, Fotografía (Serie Consu_mismo). Obra de Alejandra Garrido

Pero es en la decima convocatoria de Tentaciones, celebrada dentro del contexto de Estampa, donde podemos encontrar algunas de las propuestas más frescas. Frente a los grabados de artístas consolidados como Picasso, Chillida o Feito, se exhiben las propuestas de diez jóvenes artístas. Es el caso de la madrileña Alejandra Garrido, que con su obra hace una crítica perspicaz e irónica a las ansias consumistas de la sociedad actual.

Zoofilia en París

Una galería de arte se ha visto obligada a descolgar varias fotografías en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (FIAC) de París por su presunto contenido zoofílico. El artista, Oleg Kulik aparece desnudo en posiciones un tanto eróticas, que no pornográficas, con un perro. Al parecer varios agentes vestidos de paisano se se personaron el pasado viernes en el stand de la galería rusa XL para llevarse las obras e interrogar a los galeristas.

La noticia ha preocupado a gran parte de artistas e intelectuales franceses. El Observatorio de la Libertad de la Creación ya ha lanzado un comunicado para denunciar lo sucedido.

El erotismo haciendo referencias al mundo animal ha sido una constante en el arte occidental, y las obras de Kulik son comparables a muchas obras maestras. La mitología, fuente de inspiración artística durante siglos, está cargada de referencias zoofílicas. Un claro ejemplo es Leda y el cisne, pintado por maestros como Da vinci o Correggio.



En el mito, Zeus se transforma en cisne para poder violar a Leda. Rubens es quizá el pintor que ha realizado una versiones más explícitas. A mi juicio es bastante más subida de tono que el beso de Kulik y su perro, incluso el cuello alargado del ave puede interpretarse como una referencia fálica. El mito del "Rapto de Europa" es un caso similar, sin embargo las representaciones pictóricas que hicieron al respecto figuras comos Tiziano o Vouet no alcanzan el grado de erotismo que "Leda y el cisne".

La Bienal de Sao Paulo, más desnuda que nunca

La 28° edición de la Bienal de Sao Paulo se acaba de inaugurar con las paredes vacías, sin obra física. Los cuadros y las esculturas se quedan a un lado para dar el protagonismo a la reflexión y a otras formas artísticas. Se espera que el Edificio Niemeyer se convierta en un espacio para la experimentación, donde los artistas interactúen, discuten, y se lleven a cabo proyectos o performances improvisadas.

En la tercera planta se ha instalado una biblioteca, el archivo histórico de la Bienal, un auditorio, salas de reuniones y de lectura: Un espacio pensado para la colaboración, la creación y la innovación.

En palabras de su comisario, Ivo Mesquita para ABC: “Pretendo provocar con este gesto, generar una discusión. Sé que fui muy pasional al tomar esta decisión. Pero la gente acaba yendo a las bienales sin expectativa alguna. Van como si fuera una obligación. No hallan sorpresas; no ocurre nada. Acostumbrados a ver los espacios llenos, surgirán preguntas al verlos vacíos. Será una especie de exposición virtual, una instalación, donde se promoverá la discusión y el debate; una crítica de las bienales desde una de ella“

Aunque sea una iniciativa aparentemente arriesgada, no llamaría tanto la atención en el mundo del arte sino se llevara a cabo en la consolidada Benial de Sao Paulo. El del arte contemporáneo está ya habituado a todo. Cualquier extravagancia es incapaz de provocar. Parece imposible gestar algo realmente innovador y revolucionario en el arte. En un mundo en el que todo parece estar inventado, sólo esperamos que este experimento no caiga en saco roto, y que se convierta en un punto de inflexión para empezar a ver las bienales de otra manera: Cada vez más como un espacio de creación, en vez de exposición.

Fuente: ABC

¿Pintura holandesa en el Museo del Prado?

Estos días asistimos a la invasión de Rembrandt en los medios de comunicación. Todos los periódicos nacionales y revistas de arte hablan sobre la exposición que el Museo del Prado celebra en torno a la figura del artista holandes.

Hay que celebrar este gesto del Prado, ya que como bien es sabido el museo sólo cuenta con una obra de Rembrandt, Artemisa. El arte holandés escasea en las colecciones del país.,tanto públicas como privadas. La Casa de Alba es propietaria de un paisaje atribuido a Rembrandt, pero debe descansar plácidamente en el Palacio de Liria lejos de los ojos del público y de expertos. En cuanto a grabados cabe mencionar los de la Biblioteca Nacional, que ya le dedicó una exposición en 2006.

Sin embargo, pese a esta exposición no deja de llamar la atención la falta de interés del Museo del Prado con respecto al arte holandés. Me refiero al las piezas holandesas que el museo guarda en sus almacenes. Mientras todos alaban la colección de pintura holandesa del Thyssen, nadie repara en las casi 200 piezas que el Prado dice tener en su página web. Está claro que el museo cuenta con colecciones más importantes, pero ¿No decían hace años que la ampliación serviría para exponer otras colecciones que hasta ahora habían estado en almacenes? Parece ser que se referían sólo al arte español del siglo XIX, porque el resto de colecciones sigue escondida.

No sé a que está esperando el museo para estudiar y reordenar todas esas piezas, para exhibirlas (si no todas, al menos una selección de las más importantes) y a publicar un catálogo con todas las obras. Debe ser que dicha tarea no entusiasma mucho en el Prado. pero qué mejor ocasión que la exposición sobre Rembrandt para anunciar al menos un interés o un indicio de querer hacer algo por estas obras?

La pintura holandesa del Prado es como los billetes de 500 euros, existen aunque nadie los ha visto. Según la web oficial, además de la ya citada obra de Rembrand, el museo cuenta con pinturas de los siguientes artistas holandeses: Mathías Stomer, Salomón de Bray, Pieter Claesz, Willem Claesz Heda, Jan Davidsz de Heem, Philips Wouwerman, Adriaen van Ostade, Jan Both, Herman van Swanevelt, Jacob van Ruisdael, Gerard Ter Borch y Gabriel Metsu.

No estamos hablando de obras anónimas. Sus autores son figuras importantes de la pintura holandesa y sus obras se exhiben en los grandes museos de Europa. Sólo espero que algún días se decidan, y den a conocer estas piezas como se merecen.